FALLO DE LA CONVOCATORIA HAMACA – MUSEO REINA SOFIA 2017

Posted in Uncategorized by admin on the noviembre 30th, 2017

LOS 37 VÍDEOS SELECCIONADOS PASARÁN A FORMAR PARTE DEL CATÁLOGO HAMACA PARA SER DIFUNDIDOS Y DISTRIBUIDOS DENTRO Y FUERA DE ESPAÑA A LA VEZ QUE PODRÁN SER CONSULTADOS EN LA BIBLIOTECA DEL MUSEO REINA SOFÍA.

Reunido el comité de selección de la convocatoria HAMACA – Museo Reina Sofía 2017, formado por Cristina Cámara, Chema González y Marc Vives, han resultado elegidos 37 vídeos de un total de 451 presentados.

HAMACA conforma un archivo extenso de las diferentes propuestas del audiovisual en el Estado español desde sus orígenes hasta hoy. Es tanto un repositorio expandido del vídeo como una plataforma para estudiar sus transformaciones y posibilidades en la contemporaneidad. Bajo este parámetro, la convocatoria de ampliación del fondo, organizada por HAMACA y el Museo Reina Sofía, explora los futuros potenciales del vídeo intentando detectar líneas de trabajo relevantes en el presente.

En la convocatoria 2017, se aprecian tres grandes áreas narrativas. En primer lugar, el ensayo documental con un marcado carácter antropológico e introspectivo, que procede del debate sobre el espacio indeterminado del cine de no-ficción y de la capacidad de investigación y enunciación de los propios procesos fílmicos. En segundo lugar, la exploración melancólica del medio fílmico en el momento de su desplazamiento por la imagen y la economía digital, así como el enorme peso de las narraciones postdigitales de una generación nacida bajo un nuevo uso y vida de la tecnología. Destaca en esta generación la mezcla entre la cultura narcisista del yo y sus deseos lididinales, la exploración de estereotipos y roles sociales, la teatralidad performativa como una estrategia de identidad pública y la imagen ubicua desjerarquizada y contaminada, donde conviven iconografías fílmicas canónicas con imágenes degradadas y pobres. En tercer lugar, resaltan las políticas del cuerpo en una serie de trabajos que continúan las llamadas “guerras culturales” de la década de 1990, considerando la imagen y sus estrategias como el campo central de la batalla por la representación de la diferencia. En este espacio destacan las posiciones LGTBI, las cuales presentan otras sexualidades disidentes a la vez que buscan agrietar los estereotipos y masculinidades dominantes.

Los vídeos podrán ser próximamente ser consultados en www.hamacaonline.net y en la Biblioteca del Museo Reina Sofía.

Listado de vídeos seleccionados:

Políptico Fabril, de 2,5 KLTB
Astroboi, Ontología, de José Ramon Alonso
Las jotas silenciadas, de Art al Quadrat
Disembodied, de Marta Azparren
The sun is gone but we still have the view, de Joan Bennassar
Vuelo de colibrí, de Iván Candeo
Retrato Populista, de Iván Candeo
Más que palabras, de Beatriz Caravaggio
Oxygen is Flowing, de Alvaro Chior
De l’autre côté, de Marion Cruza Le Bihan
Volva, de Edouard Decam
Margen de Error (Libros de Texto), de Declinación Magnética
Margen de Error (Memoria 1), de Declinación Magnética
Artefactos del encantamiento, de Mario Espliego
El fuego dormido, de Iván Gómez
Pasaia Bitartean, de Irati Gorostidi Agirretxe
Euritan, de Irati Gorostidi Agirretxe y Arantza Santesteban
FAQs, de Rubén Grilo
You’re no better at swimming than you were at the beginning, de Daniel Llaria
The Kiss, de Luís Macías
Demo gresca, de Pau Magrané Figuera
New Madrid, de Natalia Marín Sancho
Euphoria in five acts, de Alba Mayol Curci
A Film Portrait, de Pol Merchan
Desertorxs, de Quiela Nuc
La sonrisa telefónica, de Aitziber Olaskoaga
Buenos días España, de Sara Pisos
Galatée à l’infini, de Mariangela Pluchino
Cinétract#1. From Oikos to Thanatos, de Miguel Ángel Rego Robles
Le Paradis Paraíso, de Bárbara Sánchez Barroso
El engaño, de Germán Scelso
El modelo, de Germán Scelso
Cantos del Hain, de Federico Vladimir Strate Pezdirc y Pablo Esbert Lilienfeld
The Human Race, de Pablo Useros
Todos los discursos del rey, de Pablo Useros
Clar i net, de Ester Xargay Melero
Arreta, de María Zafra y Raquel Marques

SENYALS DE REPRESENTACIÓ

Posted in Uncategorized by admin on the octubre 31st, 2017

Lucia_Moreno

SENYALS DE REPRESENTACIÓ

Programa de videocreació – WHITE FRAME / HAMACA

Comissariat White Frame: Chantal Molleur / Comissaritat Hamaca: Albert Alcoz
Amb la presència d’Albert Alcoz

Lo Pati
11 de noviembre, 19:00 a 21:00 h
Carrer Gran Capità, 38, 43870 Amposta (Tarragona)
Entrada lliure / aforament limitat

La plataforma artística White Frame i la distribuidora de videocreació Hamaca uneixen forces en un projecte conjunt de comissariat que, mitjançant una representació selecta de treballs videogràfics actuals, proposa una aproximació al vídeo d’artistes suïssos i espanyols. Aquestes dues associacions establertes a Basel i a Barcelona, de la mà dels comissaris Chantal Molleur i Albert Alcoz, ofereixen un programa dividit en dues parts on les obres de videocreadors helvétics dialoguen subtilment amb les peces dels realitzadors nacionals. Aquesta mostra variada de manifestaciones audiovisuals no només corrobora l’ampli camp d’actuació dels videocreadors i videocreadores seleccionats, sino que també transmet la dimensió crítica que la tria d’obres posa en circulació. Les inquietuds ideològiques són el primer pla d’uns vídeos que transmeten problemàtiques contemporànies suggerint alternatives mitjançant vies d’escapament il·lusòries. Ho fan a través d’un l’anàlisi rigurós de les possibilitats que ofereixen les eines del vídeo digital. És per aquesta raó que el conjunt d’instàncies videogràfiques queda englobat sota un enunciat –Senyals de representació– que evoca tant el métode tecnológic que hi ha darrera la formació de sons i imatges en moviment com les figures que descriuren i les formes que precisen.

    El primer bloc de la projecció –protagonitzat per les mirades i les oïdes dels creadors suïssos– estableix una sèrie de perspectives híbrides que representa les tensions presents entre l’ésser humà i tot allò que l’envolta. L’impacte de la tecnologia digital en la quotidianitat de les persones, i la ruptura de la senyal emesa en forma de codi binari, es fa palès tant a OS Love (2016) de Luc Gut com a Frecuency (2008) d’Esther Hunziker. La pulcritud simulada per la màgia visual del primer contrasta amb la cruesa en la definició de l’apropiación analògica del segon. Són treballs que remeten al mitjà del vídeo col·locant en primer terme la interactuació que s’esdevé entre la pantalla i l’usuari. La senzillesa expositiva de Judit Albert a Mare Mosso (2016) amaga una reflexió sobre el paisatge marítim que, en incloure la identitat de la intervenció humana durant la captura de les imatges, transforma l’espai representat en una dimensió onírica carregada de lirisme. El to literari i el paisatgisme també són presents a Paradies (2016) de Max Phillip Schmid, un assaig versàtil que qüestiona, amb una veu en off poètica, el context de la naturalesa com a lloc apte pel descans contemplatiu. A Ersatz (2012) Elodie Pong presenta la discussió d’una parella que, inmersa en un creuement absurd de paraules sobre la feblesa de la noció d’identitat, acaba establint un raonament filosòfic no exempt d’humor. True, false or slightly better (2015) del collectif_fact cuestiona allò establert oscil·lant entre el registre neutral del documental i la posada en escena de la ficció. El joc de moviments desplegat per uns operadors concentrats en un simulacre d’accions fa dubtar sobre la validesa i la funcionalitat de les mateixes actuacions. Yves Netzhammer, per la seva part, fa ús de l’animació per ordinador a Tage ohne Stunden (2015), una peça inicialment exhibida com a videoinstal·lació que estableix lligams entre la tecnologia, el medi ambient i el cos humà des d’una òptica enigmàtica i tèrbola.

    El segon bloc del programa –d’obres fetes exclusivament per artistes espanyols– planteja un recorregut eclèctic per les pràctiques videoartístiques recents mentre insinua la rellevància del reciclatge fílmic i els trencament de les convencions narratives. Amb Iowneom Streets (2014) Lucía Moreno reutilitza representacions multimèdia prototípiques d’internet i animacions de ficció nordamericana per experimentar un viatge inquietant fet d’errors gráfics. Eli Cortiñas també descontextualitza filmacions de llargmetratges narratius per desmuntar les seves lectures. A Dial M for Mother (2009) entrecreua  una trucada personal amb les imatges de tres films de Gena Rowlands per establir una suposada comunicació telefónica amb la seva progenitora. Florencia Aliberti recicla gravacions amb webcam d’usuaris pujades a YouTube per evidenciar el dubtes existencials i les crisis identitàries de tots els que interactuen online amb el món exterior. Tant a Am I? (2012) com a Coming Out (2015) proposa diferents lectures del què suposa dirigir-se, des d’un àmbit privat, a una esfera pública mundial com és la d’Internet. Ahold of Get the Things To (2014) de Daniel Jacoby és una narració performática on tot allò dit pels diferents intèrprets no coincideix amb els fets visualitzats. El ritme d’unes seqüències delimitades pel procés de filmació estableix una dialéctica complexa i confusa que té un rocòdrom com a principal localització. L’absència de localització, o la completa neutralitat de la mateixa és un dels punts cabdals de A Specific Representation (2016) de Mireia Saladrigues. La simulació dels gestos característics de visitants, en un context suposadament artístic, es converteix en un estudi sobre l’intercanvi de paper respecte l’objecte de contemplació. Amb aquesta última reflexió sobre la dualitat del paper de l’espectador sobre la representació es tanca un programa heterogeni de treballs en vídeo que transmeten modes enginyosos de capturar i muntar l’esdevenir dels sons i les imatges.

Senyals de representació #01: White Frame 47 min. aprox.

OS Love (2016) Luc Gut. 6 min.
Frecuency (2008) Esther Hunziker. 3 min.
Mare Mosso (2016) Judit Albert. 4 min.
Paradies (2016) Max Phillip Schmid. 15 min.
Ersatz (2012) Elodie Pong. 4 min.
True, false or slightly better (2015) collectif_fact.
Tage ohne Stunden (2015) Yves Netzhammer. 8 min.

Senyals de representació #02: HAMACA

46 min. aprox.

Iowneom Streets (2014) Lucía Moreno. 3 min.
A Dial M for Mother (2009) Eli Cortiñas. 11 min.
Am I? (2012) Florencia Aliberti. 3 min.
Coming Out (2015) Florencia Aliberti. 4 min.
Ahold of Get the Things To (2014) Daniel Jacoby. 17 min.
A Specific Representation (2014) Mireia Saladrigues. 8 min.

[English]

Ersatz (2012) Elodie Pong

SIGNS OF REPRESENTATION

Video art program with White Frame (CH) / Hamaca (EP)
White Frame curator: Chantal Molleur /  Hamaca Curator: Albert Alcoz

In the presence of Albert Alcoz

Lo Pati
November 11th, 1997. 19:00-21:00 h
Carrer Gran Capità, 38, 43870 Amposta (Tarragona)
Free admission

The Swiss association White Frame and independent distributor Hamaca presents ‘Signs of Representation’, a co-curatorial video art program showcasing selected productions from Switzerland and Spain. These two organisations established in Basel and in Barcelona have entered into a dialogue through the curated work of Chantal Molleur from White Frame and Albert Alcoz representing Hamaca. The two programs explore the different ideological and artistic concerns of the artists. The results are varied in forms conveying the multiple possibilities of what the medium has to offer technologically for the various images and sounds represented in these productions.

Signs of Representation #01: White Frame
47’ min.

The first block of the projection features a hybrid selection of perspectives into the world of these Swiss video artists.

OS Love (2016) Luc Gut. 6 min.
Frecuency (2008) Esther Hunziker. 3 min.
Mare Mosso (2016) Judit Albert. 4 min.
Paradies (2016) Max Phillip Schmid. 15 min.
Ersatz (2012) Elodie Pong. 4 min.
True, false or slightly better (2015) collectif_fact.
Tage ohne Stunden (2015) Yves Netzhammer. 8 min.

Signs of Representation  #02: HAMACA
46 min.

The second block of the program presents works made exclusively from Spanish artists and their eclectic artistic video practices questionning the importance of film recycling and the breakdown of narrative conventions.

Iowneom Streets (2014) Lucía Moreno. 3 min.
A Dial M for Mother (2009) Eli Cortiñas. 11 min.
Am I? (2012) Florencia Aliberti. 3 min.
Coming Out (2015) Florencia Aliberti. 4 min.
Ahold of Get the Things To (2014) Daniel Jacoby. 17 min.
A Specific Representation (2014) Mireia Saladrigues. 8 min.

El Conde de Torrefiel a Hamaca Projecta

Posted in Uncategorized by admin on the octubre 17th, 2017

amarillo

 

HAMACA PROYECTA
Cicle de cinema i vídeo

EL CONDE DE TORREFIEL
M.C., 40′
Una proposta escènica amb intervenció videogràfica

ARTS SANTA MÒNICA
25 d’octubre a les 19:00h – 20:00h
La Rambla, 7, 08002 Barcelona
Entrada lliure / aforament limitat

M.C. és un nou projecte que El Conde de Torrefiel ha engegat a principis de 2017 i que culminarà en la presentació d’una peça escènica al maig de 2018, la forma de la qual i títol actualment desconeixem.

M.C. es troba ara en procés de recerca i cerca de materials. El procés de creació d’una peça per a la caixa negra d’espai teatral no pot reduir-se únicament a la cerca d’una forma escènica, de fet aquesta és precisament l’últim que apareix en un procés d’aquest tipus doncs és, diguem, la punta de l’iceberg que no pot sostenir-se sense una consistent massa amorfa i submergida de material que ha anat formant-se per ser fonament d’aquesta capa estètica i visible que és al cap i a la fi, una representació poètica d’aquesta acumulació, aquell arsenal d’informació que la sosté.

Hamaca Projecta ens ofereix la possibilitat d’utilitzar una de les seves sessions per materialitzar una linea de recerca de caràcter documental del projecte M.C. a través de la tecnologia del vídeo.

El paradigma del video és la seqüenciació d’imatges per crear escenes en moviment. En aquest cas anem a desincronizar la imatge del seu moviment, de la seva narrativa i presentar aquestes dues parts a contratemps. Un exercici de teatralitat on l’acció és generada per la paraula dels 4 intèrprets d’aquest projecte, mentre que la imatge apareix com una acció detinguda, un moment capturat i desarmat en un ressò infinit.

Un exercici de descripció d’imatges (un assaig obert al públic) que vol activar la provocació en l’estat anímic de l’audiència, que busca una porta d’entrada per a l’observació i la comprensió d’alguna cosa que ens resulta encara misteriós: com allò que es veu difícilment pot transcender el reduccionisme i la bidimensionalidad sense l’auxili del context que ho sosté.

EL CONDE DE TORREFIEL

Pablo Gisbert (Ontinyent, 1982) i Tanya Beyeler (Lugano, 1980) encapçalen el projecte artístic El Comte de Torrefiel, les peces escèniques del qual posseeixen una estètica visual i textual en la qual conviuen literatura, arts plàstiques i coreografia, que busca transcendir els paràmetres del llenguatge verbal. El Comte de Torrefiel configura les seves peces a manera de lliuraments d’un camí de recerca ampli, qüestionaments necessaris segons un temps i un moment concret. Són així propostes que treballen l’escena des d’una temporalitat immediata, formulant hipòtesi que puguin respondre a les incògnites que proposa aquest Segle XXI i les formes de representar-les en escena.

La trajectòria professional de la companyia s’inicia en 2010 amb l’estrena de La historia del rey vencido por el aburrimiento. Li segueixen Observen cómo el cansancio derrota el pensamiento en 2011, Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke en 2012, La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamento en el 2013, La posibilidad que desaparece frente al paisaje en el 2015 i GUERRILLA en maig de 2016 .

La companyia ha recorregut el territori nacional, presentant els seus treballs en diferents sales i festivals. Aviat el treball de la companyia han transcendit internacionalment participant a programacions llatinoamericanes, però especialment manera europees; presentant en paises com Portugal, França, Bèlgica, Holanda, Anglaterra, Alemanya, Suïssa, Itàlia o Àustria, en festivals i sales com elKunstenfestivaldesarts, Festival de Otoño de Paris, Alkantara Festival, Steirischer Herbst, Noorderzon Festival, CDN de Montpellier, o Théâtre de Vidy-Lausanne, entre altres.

 

[castellà]

HAMACA PROYECTA
Ciclo de cine y video

El Conde de Torrefiel
M.C., 40′
Una propuesta escénica con intervención videográfica

ARTS SANTA MÒNICA
25 de octubre a las 19:00h – 20:00h
La Rambla, 7, 08002 Barcelona
Entrada libre / aforo limitado

M.C. es un nuevo proyecto que El Conde de Torrefiel ha puesto en marcha a principios de 2017 y que culminará en la presentación de una pieza escénica en mayo de 2018, cuya forma y título actualmente desconocemos.

M.C. se encuentra ahora en proceso de investigación y búsqueda de materiales. El proceso de creación de una pieza para la caja negra de espacio teatral no puede reducirse únicamente a la búsqueda de una forma escénica, de hecho ésta es precisamente lo último que aparece en un proceso de este tipo pues es, digamos, la punta del iceberg que no puede sostenerse sin una consistente masa amorfa y sumergida de material que ha ido formándose para ser cimiento a esa capa estética y visible que es al fin y al cabo, una representación poética de esa acumulación, ese arsenal de información que la sostiene.

Hamaca Projecta nos ofrece la posibilidad de utilizar una de sus sesiones para materializar una linea de investigación de carácter documental del proyecto M.C. a través de la tecnología del vídeo.

El paradigma del video es la secuenciación de imágenes para crear escenas en movimiento. En este caso vamos a desincronizar la imagen de su movimiento, de su narrativa y presentar estas dos partes a contratiempo. Un ejercicio de teatralidad donde la acción es generada por la palabra de los 4 intérpretes de este proyecto, mientras que la imagen aparece como una acción detenida, un momento capturado y desarmado en un eco infinito.

Un ejercicio de descripción de imágenes (un ensayo abierto al público) que quiere activar la provocación en el estado anímico de la audiencia, que busca una puerta de entrada para la observación y la comprensión de algo que nos resulta todavía misterioso: como aquello que se ve difícilmente puede transcender el reduccionismo y la bidimensionalidad sin el auxilio del contexto que lo sostiene.

EL CONDE DE TORREFIEL

Pablo Gisbert (Ontinyent, 1982) y Tanya Beyeler (Lugano, 1980) encabezan el proyecto artístico El Conde de Torrefiel, cuyas piezas escénicas poseen una estética visual y textual en la que conviven literatura, artes plásticas y coreografía, que busca trascender los parámetros del lenguaje verbal. El Conde de Torrefiel configura sus piezas a modo de entregas de un camino de investigación amplio, cuestionamientos necesarios según un tiempo y un momento concreto. Son así propuestas que trabajan la escena desde una temporalidad inmediata, formulando hipótesis que puedan responder a las incógnitas que propone este Siglo XXI y las formas de representarlas en escena.

La trayectoria profesional de la compañía se inicia en 2010 con el estreno de La historia del rey vencido por el aburrimiento. Le siguen Observen cómo el cansancio derrota el pensamiento en 2011, Escenas para una conversación después del visionado de una película de Michael Haneke en 2012, La chica de la agencia de viajes nos dijo que había piscina en el apartamento en el 2013, La posibilidad que desaparece frente al paisaje en el 2015 y GUERRILLA en mayo 2016.

La compañía ha recorrido el territorio nacional, presentando sus trabajos en diferentes salas y festivales. Pronto el trabajo de la compañía han trascendido internacionalmente participando a programaciones latinoamericanas, pero en especial modo europeas; presentando en paises como Portugal, Francia, Bélgica, Holanda, Inglaterra, Alemania, Suiza, Italia o Austria, en festivales y salas como el Kunstenfestivaldesarts, Festival de Otoño de Paris, Alkantara Festival, Steirischer Herbst, Noorderzon Festival, CDN de Montpellier, o Théâtre de Vidy-Lausanne, entre otros.

CONVOCATORIA HAMACA – REINA SOFIA 2017

Posted in Uncategorized by admin on the octubre 6th, 2017

convocatoria2017

Tras las últimas ediciones de 2008, 2011, 2013 y 2015 Hamaca y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) anuncian una nueva convocatoria pública para la recepción de vídeos que pasarán a formar parte del catálogo audiovisual experimental de Hamaca.

Las piezas seleccionadas serán distribuidas a nivel estatal e internacional por Hamaca. Estos vídeos formarán parte, de la base de datos de la Biblioteca del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, para su consulta con fines de investigación hasta diciembre de 2018 A continuación se detallan las condiciones de participación:

PARTICIPANTES:
Cada autora/autor, de nacionalidad o residencia española, podrá presentar hasta un máximo de tres vídeos de cualquier fecha de producción.. Las obras pueden ser realizadas en cualquier idioma, siempre que incluyan subtitulos en castellano.

PRESENTACIÓN:
Para presentarse a la convocatoria se debe enviar un mail a info@hamacaonline.net con el asunto “Convocatoria 2017: inscripción”.

En dicho mail se ha de incluir un documento en formato pdf que contenga los siguientes datos:

1-Datos de contacto de la autora, del autor o del colectivo (correo electrónico y número de teléfono).
2-Datos biográficos de la autora, del autor o del colectivo.
3-Título del vídeo.
4-Sinopsis del vídeo (máximo 100 palabras).
5-Links del vídeo que ha de estar disponible para su consulta online, y el password correspondiente si estuviera en privado.

Los puntos 3, 4 y 5 se han de completar para cada una de las producciones presentadas

INSCRIPCIÓN Y PLAZOS:
A la recepción de este mail, los y las inscritos/as recibirán una notificación, con su correspondiente número de referencia.

La inscripción es gratuita y permanecerá abierta hasta el lunes 6 de noviembre a las 14h, no se aceptarán envíos posteriores.

SELECCIÓN:
El comité de selección está conformado por Cristina Cámara, conservadora de cine y vídeo en el MNCARS; Chema González, jefe de actividades culturales en el MNCARS; Marc Vives, director de la Nau Estruch y artista visual.

La resolución se hará pública el día 1 de diciembre en www.hamacaonline.net y se notificará por correo electrónico a las y los participantes.

 

CAT

Després de les últimes edicions de 2008, 2011, 2013 i 2015 Hamaca i el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) anuncien una nova convocatòria pública per a la recepció de vídeos que passaran a formar part del catàleg audiovisual experimental d’Hamaca.

Les peces seleccionades seran distribuïdes a nivell estatal i internacional per Hamaca. Aquests vídeos formaran part de la base de dades de la Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía per a la seva consulta amb finalitats de recerca fins a desembre de 2018. A continuació es detallen les condicions de participació:

PARTICIPANTS:
Cada autora/autor, de nacionalitat o residència espanyola, podrà presentar fins a un màxim de tres vídeos de qualsevol data de producció. Les obres poden ser realitzades en qualsevol idioma, sempre que incloguin subtitulos en castellà.

PRESENTACIÓ:
Per presentar-se a la convocatòria s’ha d’enviar un mail a info@hamacaonline.net amb l’assumpte “Convocatòria 2017: inscripció”.

En aquest mail s’ha d’incloure un document en format pdf que contingui les següents dades:

1-Dades de contacte de l’autora, de l’autor o del col·lectiu (correu electrònic i número de telèfon).
2-Dades biogràfiques de l’autora, de l’autor o del col·lectiu.
3-Títol del vídeo.
4-Sinopsi del vídeo (màxim 100 paraules).
5-Links del vídeo que ha d’estar disponible per a la seva consulta online, i el password corresponent si estigués en privat.

Els punts 3, 4 i 5 s’han de completar per a cadascuna de les produccions presentades.

INSCRIPCIÓ I TERMINIS:
A la recepció d’aquest mail, els i les inscrits/as rebran una notificació, amb el seu corresponent nombre de referència.

La inscripció és gratuïta i romandrà oberta fins al dilluns 6 de novembre a les 14h, no s’acceptaran enviaments posteriors.

SELECCIÓ:
El comitè de selecció està conformat per Cristina Càmera, conservadora de cinema i vídeo en el MNCARS; Chema González, cap d’activitats culturals en el MNCARS; Marc Vives, director de la Nau Estruch i artista visual.

La resolució es farà pública el dia 1 de desembre en www.hamacaonline.net i es notificarà per correu electrònic a les i els participants.

Transitando en los límites por los recorridos de “Apología/Antología”

Posted in Uncategorized by admin on the mayo 18th, 2017

 

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Transitando en los límites por los recorridos de “Apología/Antología”.  Recorrido elaborado por Eugen Ehrlich. En la presentación participará Eli Lloveras, directora de Hamaca.

Viernes, 26 de mayo a las 20:00h

Fundació La Posta, València

Fundación La Posta presenta Apología/Antología, una iniciativa de HAMACA (junto con Tabakalera San Sebastián, UPV/EHU y Cameo), integrada por una serie de recorridos por el vídeo en el contexto español, y lo hacemos con la exhibición de tres piezas fílmicas que se caracterizan por transitar en los límites de los recorridos de esta recopilación ―correspondiente a los últimos cincuenta años de vídeo en España―, con un denominador común, al referirse todas ellas al arte de la memoria. Las obras seleccionadas son: “Mira el árbol” (2009), de Fernando Baños, 7′; “Parany” (1990), de Jaume Subirana/Gringos, 7’35”; y “La memoria interior” (2002), de María Ruido, 32’40”.

Para poder abordar la tarea de seleccionar tres piezas fílmicas entre la gran cantidad de material videográfico y cinematográfico que integra “Apología/Antología” (86 piezas; luego notablemente ampliadas en la web del proyecto www.apologiantologia.net), se hacía necesario adoptar criterios precisos. Para empezar, hemos estado más por la Apología que por la Antología. Esto es, hemos fijado más la atención en obras recientes. No obstante, al transitar por la antología, hemos terminado haciendo una escala en “Parany”, de Jaume Subirana/Gringos, que es una obra de 1990. Por otro lado, fieles al espíritu de La Posta, que se plasmó en las actividades cinematográficas de la primera temporada: “En los límites” [www.fundacionlaposta.org/en-los-limites/]; hemos ido bordeando las grandes categorías en las que habitualmente se organiza la producción videográfica/cinematográfica asociada al campo artístico (conceptual, desmontaje y apropiación, político y social, identidad de género, orientación sexual y políticas del cuerpo), buscando las zonas de intersección con el campo del cine ensayo o cine documental de creación. Los resultados de la indagación no han podido ser más emocionantes: tres piezas fílmicas que se adentran en los intrincados vericuetos de la memoria personal o colectiva, si es que ambas son disociables.

La selección efectuada, además, se encara con uno de los criterios fundamentales de la antología de la que procede, como es la identificación de un ámbito geográfico al que estaría referida la misma mediante la referencia al “contexto español”. Llama poderosamente la atención en el título de la compilación: “Apología/Antología. Recorridos por el vídeo en el contexto español”, el intento de acotar geográficamente el ámbito de la selección, mediante una referencia imprecisa al “contexto español”. El intento de acotar geográficamente las producciones audiovisuales es muy típico de la industria cinematográfica. Esto se entiende en el contexto de una industria fuertemente intervenida por los Estados (incluida la industria de Hollywood). No resulta tan comprensible en el campo del video arte, que se supone dotado de una mayor independencia. La selección efectuada para esta presentación de “Apología/Antología”, pone en crisis ese supuesto ámbito geográfico de la producción que se presenta, ya que se trata de tres obras que recogen la memoria de personas en tránsito entre distintos países europeos, fundamentalmente entre Alemania y España. En esas coordenadas, si queremos hacer una adscripción geográfica de las experiencias rememoradas en lasobras seleccionadas, tenemos que hacernos la pregunta de a qué país pertenece la memoria de, por ejemplo, los inmigrantes españoles en Alemania, durante las décadas de los cincuenta, sesenta y setenta del siglo pasado, a la que se refiere María Ruido en La memoria interior; o la memoria de un republicano español exiliado que se alista en las Brigadas Internacionales, y que al finalizar la Guerra Civil española terminará participando en la II Guerra Mundial, será hecho prisionero, probablemente en algún campo de concentración… ¿a qué “contexto nacional” pertenece esa memoria recogida en Parany, de Jaume Subirana/Gringos? La cuestión ha sido planteada en toda su crudeza por Jorge Luis Marzo y Patricia Mayayo en “Arte en España (1939-2015) ideas, prácticas, políticas”, cuando al abordar el trabajo de los artistas españoles en el exilio, en particular en México, han destacado su falta de pertenencia tanto a la cultura mexicana como a la cultura española, que de hecho no los ha considerado en la historia canónica del arte español [2015:19-65]. Otro tanto ocurre con la memoria de los emigrantes, tanto reales como metafóricos. En ese contexto, parece apropiado plantearse si tiene sentido en este momento hacerse la pregunta sobre la adscripción nacional de ciertos trabajos artísticos en tránsito, fruto del desarraigo; o si, en sentido contrario, no sería más apropiado destacar este hecho, que afecta a tantas obras conforme ha ido aumentando la movilidad.

Para identificar en qué contexto cultural cabe inscribir ciertos trabajos que son fruto del desarraigo, unas palabras del propio Fernando Baños nos pueden ser útiles. El autor de “Mira el árbol” se refiere en su tesis de máster: “El turista de la memoria. En torno a la mirada lenta del Austerlitz de Sebald” [se refiere a W.G. SEBALD: Austerlitz, C. Hanser, Munich, 2001], al hecho de que ciertas imágenes no remiten a algo objetivo sino a algo imaginario, poniendo en relación una imagen óptica con una imagen-recuerdo que ella convoca, poniendo en relación lo físico con lo mental, la descripción con la narración, lo actual con lo virtual (Fernando Baños se refiere a esta idea citando al Deleuze de La imagen-tiempo. Estudios sobre cine 2, Paidos, 2004, pág. 69-70). Se trataría de trabajos audiovisuales o plásticos adscribibles a la cultura que está en nuestro recuerdo formado en el desarraigo.

Por otro lado, las tres obras seleccionadas participan de las características del arte de la memoria, una constante creativa o giro hacia la obra de arte como archivo [GUASCH, 2005, 157-183]. Este arte de la memoria incluye tanto la memoria individual como la memoria histórica. En el campo del audiovisual presenta algunas constantes, como son el evitar los momentos dramáticos, no presentar un relato estructurado y constituirse como un documento subjetivo, todos ellos puntos de conexión con el cine ensayo y el cine documental de creación, definiendo de esta manera una zona de intersección en los límites de ambos campos de actividad.

 

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HAMACA PROJECTA: LUCÍA EGAÑA

Posted in Packs y Programas Comisariados by admin on the mayo 15th, 2017

Mi sexualidad es una creación artística, 46′

24.05.2017 a les 19h.
ARTS SANTA MÒNICA, Barcelona

Projecció seguida de diàleg entre Lucía Egaña, Marisela Montenegro i Joan Pujol
Entrada lliure / aforament limitat

El postporno es ve desenvolupant amb intensitat des d’aproximadament l’any 2000 a Barcelona. Es tracta d’una expressió on resulta difícil de separar producció artística de pràctica activista, i on els límits i els espais d’acció es difuminen.

El documental Mi sexualidad es una creación artística dóna compte de les persones i col·lectius que han treballat i creat el denominat “postporno” en aquesta ciutat. A partir de 7 entrevistes es realitza un recorregut que pretén desvetllar les causes, motivacions i peculiaritats d’aquesta escena, on la recerca per construir altres formes de representació de la sexualitat es visibiliza en un resultat híbrid i “bizarro” molt vinculat a la performance i a les intervencions a l’espai públic. Mi sexualidad es una creación artística és un documental que funciona com a cartografia il·lustrada barrejant relats i percepcions amb videos postporno Do It Yourself, documentació d’accions i diverses intervencions realitzades principalment a Barcelona.

Amb l’aparició de: María Llopis, Go Fist Foundation (Idoia + Karolina/Spina), La Quimera Rosa (Yan + Cecilia), Diana J. Torres aka Pornoterrorista, Post-Op (Elena + Majo), Annie Sprinkle & Beth Stephens, Marianissima, Ex-dones, Itziar Ziga, dj Doroti / tokioss, videoarmsidea, Perrxs Horizontales. Mi sexualidad es una creación artística va comptar amb l’ajuda del Centre de Cultura de Dones Francesca Bonnemaison

Lucía Egaña Rojas té formació en belles arts, estètica i documental i és doctora en Comunicació Audiovisual per la UAB. Treballa sobre temes relacionats amb els feminismes, la representació, les relacions de poder nord-sud, la postpornografía, la tecnologia, el programari lliure i l’error. Desenvolupa processos pedagògics en àmbits institucionals i autogestionats que, com el seu treball artístic, ha presentat i desenvolupat en països com Mèxic, Uruguai, Xile, Alemanya, Espanya, França, Noruega, Equador, Colòmbia, entre uns altres.

El treball de Lucía s’ha desenvolupat molt en contextos col·lectius: és co-organitzadora del festival nómade Muestra Marrana, forma part del projecte d’autoocupació feminista Cooperativa de Técnicas i del col·lectiu Real Archivo Sudaka, entre uns altres. Ha publicat el llibre Enciclopedia del amor en los tiempos del porno (Cuarto propio, 2014) i col·laborat amb diferents llibres i mitjans de comunicació a través de l’escriptura i del video. Actualment és resident de llarga durada en Hangar, és part del grup de recerca FIC (Fractalidades e Investigación Crítica, UAB) i membre de la direcció acadèmica del PEI (Programa de Estudios Independientes) del MACBA.

Marisela Montenegro Martínez és professora titular interina del Departament de Psicologia Social de la Universitat Autònoma de Barcelona. Co-coordina el “Màster Oficial de Recerca i Intervenció Psicosocial” de la Facultat de Psicologia i és membre del grup de recerca “Fractalitats en Investigació Crítica”. La seva recerca s’ha desenvolupat en les àrees de la psicologia social crítica, les metodologies qualitatives, els estudis de gènere, els processos migratoris i la intervenció social.

Joan Pujol és Professor Titular en la Universitat Autònoma de Barcelona.  Ha treballat com professor en la Universitat de Huddersfield (UK) i realitzat estades d’investigació en la Universitat de Reading (UK).  La seva recerca desenvolupa una perspectiva corporeitzada dels fenòmens socials des d’una perspectiva gubernamental.

[español]

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HAMACA PROJECTA: LUCÍA EGAÑA

Mi sexualidad es una creación artística, 46′

24.05.2017 a les 19h.
ARTS SANTA MÒNICA, Barcelona

Projección seguida de diálogo entre Lucía Egaña, Marisela Montenegro y Joan Pujol

Entrada libre / aforo limitado

El postporno se viene desarrollando con intensidad desde aproximadamente el año 2000 en Barcelona. Se trata de una expresión donde resulta difícil de separar producción artística de práctica activista, y donde los límites y los espacios de acción se difuminan.

El documental Mi sexualidad es una creación artística da cuenta de las personas y colectivos que han trabajado y creado lo denominado “postporno” en esta ciudad. A partir de 7 entrevistas se realiza un recorrido que pretende desvelar las causas, motivaciones y peculiaridades de esta escena, donde la búsqueda por construir otras formas de representación de la sexualidad se visibiliza en un resultado híbrido y bizarro muy vinculado a la performance y a las intervenciones en el espacio público. Mi sexualidad es una creación artística es un documental que funciona como cartografía ilustrada mezclando relatos y percepciones con vídeos postporno Do It Yourself, documentación de acciones y diversas intervenciones realizadas principalmente en Barcelona.

Con la aparición de: María Llopis, Go Fist Foundation (Idoia + Karolina/Spina), La Quimera Rosa (Yan + Cecilia), Diana J. Torres aka Pornoterrorista, Post-Op (Elena + Majo), Annie Sprinkle & Beth Stephens, Marianissima, Ex-dones, Itziar Ziga, dj Doroti / tokioss, videoarmsidea, Perrxs Horizontales. Mi sexualidad es una creación artística contó con la ayuda del Centre de Cultura de Dones Francesca Bonnemaison

Lucía Egaña Rojas tiene formación en bellas artes, estética y documental y es doctora en Comunicación Audiovisual por la UAB. Trabaja sobre temas relacionados con los feminismos, la representación, las relaciones de poder norte-sur, la postpornografía, la tecnología, el software libre y el error. Desarrolla procesos pedagógicos en ámbitos institucionales y autogestionados que, como su trabajo artístico, ha presentado y desarrollado en países como México, Uruguay, Chile, Alemania, España, Francia, Noruega, Ecuador, Colombia, entre otros.

El trabajo de Lucía se ha desarrollado mucho en contextos colectivos: es co-organizadora del festival nómade Muestra Marrana, forma parte del proyecto de autoempleo feminista Cooperativa de Técnicas y del colectivo Real Archivo Sudaka, entre otros. Ha publicado el libro Enciclopedia del amor en los tiempos del porno (Cuarto propio, 2014) y colaborado con distintos libros y medios de comunicación a través de la escritura y del video. Actualmente es residente de larga duración en Hangar, es parte del grupo de investigación FIC (Fractalidades e Investigación Crítica, UAB) y miembra de la dirección académica del PEI (Programa de Estudios Independientes) del MACBA.

Marisela Montenegro Martínez es profesora titular interina del Departamento de Psicologia Social de la Universitat Autònoma de Barcelona. Co-coordina el “Màster Oficial de Recerca i Intervenció Psicosocial” de la Facultad de Psicologia i es miembro del grupo de investigación “Fractalitats en Investigació Crítica”. Su investigación se ha desarrollado en las áreas de la psicología social crítica, las metologogías cualitativas, los estudios de género, los procesos migratorios y la intervención social.

Joan Pujol es Professor Titular en la Universitat Autònoma de Barcelona.  Ha trebajado como profesor en la Universidad de Huddersfield (UK) y realizado estancias de investigación en la Universidad de Reading (UK). Su investigación desarrolla una perspectiva corporeizada de los fenómenos sociales desde una perspectiva gubernamental.

HAMACA projecta: “Oleg y las raras artes” d’Andrés Duque a Arts Santa Mònica

Posted in Uncategorized by admin on the abril 4th, 2017

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HAMACA PROJECTA. CICLE DE CINE I VÍDEO

Oleg y las raras artes, 90′
27 d’abril a les 19h. ARTS SANTA MÒNICA, Barcelona
Amb la presència d’Andrés Duque
Entrada lliure / aforament limitat

Qui és aquest home que sembla extret d’un conte de Gogol?

El llegendari Oleg Nikolaevitch Karavaychuk és l’enigmàtic i colpidor protagonista d’aquesta pel·lícula del director Andrés Duque. Mogut per la música que el pianista va compondre per a una pel·lícula de Kira Muratova, Duque és el primer estranger a guanyar-se la confiança del sempre actiu i excèntric rus de 89 anys.

Alguns apunts biogràfics: Oleg Nikolaevitch Karavaychuk (1927), va ser un nen prodigi que va tocar el piano per a Stalin, va assistir al Conservatori de Leningrad i al llarg de la seva carrera ha escrit música principalment per a teatre i cinema — per exemple, per Paradjanov i Muratova. A Rússia, és admirat per la seva música i la seva forma de tocar, però també per la seva singular i excèntrica personalitat. Als 89 anys, Karavaychuk segueix sent una figura controvertida i desconcertant en la cultura russa.

La bella pel·lícula que Andrés Duque li ha dedicat és un regal per a l’espectador, un regal d’un vell artista que allunyat de tota convenció social, vol reconciliar-se amb el món i ens transporta lluny de la realitat a través de les seves paraules, els seus gestos i la seva interpretació al piano a un món on les pertorbadores dissonàncies són portadores d’una alliberadora bellesa.

Andrés Duque

Cineasta hispanoveneçolà. El seu treball més conegut és Iván Z, un retrat del cineasta de culte Iván Zulueta que li va valer una nominació al Premi Goya de l’Acadèmia. El 2011 realitza el seu primer llargmetratge titulat Color perro que fou estrenat al Festival Internacional de Cinema de Rotterdam i guanyador del premi del públic al Festival de Cinema Documental Punt de Vista. El 2012 és un dels cineastes convidats al prestigiós seminari Flaherty que se celebra a Nova York. El 2013 rep el Premi Ciutat de Barcelona per la seva pel·lícula Ensayo final para utopía.

OLEG Y LAS RARAS ARTES
Andrés Duque / España / 2016 / 70 min.
PRODUCIDA POR MARTA ANDREU, TÀNIA BALLÓ, SERRANA TORRES
PRODUCTOR ASOCIADO LLUÍS MIÑARRO
FOTOGRAFÍA CARMEN TORRES SONIDO BORIS ALEXEEV MONTAJE FELIX DUQUE
BANDA SONORA ORIGINAL OLEG KARAVAICHUK
PRODUCCIÓN LAIA LAFARGA, ALEXEI SMYCHENKO POST-PRODUCCIÓN FEDERICO DELPERO
DISEÑO GRÁFICO JOAQUÍN URBINA FOTO FIJA ÓSCAR HERNÁNDEZ ORENGO

[CASTELLANO]

ANDRÉS DUQUE EN ARTS SANTA MÒNICA
HAMACA Projecta. Ciclo de cine y video
Oleg y las raras artes, 90′
Con la presencia de Andrés Duque

27 de abril a las 19h ARTS SANTA MÒNICA, Barcelona
Entrada libre / aforo limitado

¿Quién es este hombre que parece extraído de un cuento de Gogol?

El legendario Oleg Nikolaevitch Karavaychuk es el enigmático y sobrecogedor protagonista de esta película del director Andrés Duque. Movido por la música que el pianista compuso para una película de Kira Muratova, Duque es el primer extranjero en ganarse la confianza del siempre activo y excéntrico ruso de 89 años.

Algunos apuntes biográficos: Oleg Nikolaevitch Karavaychuk (1927), fue un niño prodigio que tocó el piano para Stalin, asistió al Conservatorio de Leningrado y a lo largo de su carrera ha escrito música principalmente para teatro y cine – por ejemplo, para Paradjanov y Muratova. En Rusia, es admirado por su música y su forma de tocar, pero también por su singular y excéntrica personalidad. A los 89 años, Karavaychuk sigue siendo una figura controvertida y desconcertante en la cultura rusa.

La hermosa película que Andrés Duque le ha dedicado es un regalo para el espectador, un regalo de un viejo artista que alejado de toda convención social, quiere reconciliarse con el mundo y nos transporta lejos de la realidad a través de sus palabras, sus gestos y su interpretación al piano, a un mundo donde las perturbadoras disonancias son portadoras de una liberadora belleza.

Andrés Duque

Cineasta hispano-venezolano. Su trabajo más conocido es Iván Z, un retrato del cineasta de culto Iván Zulueta que le valió una nominación al Premio Goya de la Academia. En 2011 realiza su primer largometraje titulado Color perro que huye estrenado en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam y ganador del premio del público en el Festival de Cine Documental Punto de Vista. En 2012 es uno de los cineastas invitados al prestigioso seminario Flaherty que se celebra en Nueva York. En 2013 recibe el Premio Ciudad de Barcelona por su película Ensayo final para utopía.

Más información: http://www.hamacaonline.net/blog/?p=2041&preview=true

Taller a cargo de FRANCISCO RUIZ DE INFANTE en HANGAR

Posted in Uncategorized by admin on the marzo 22nd, 2017

El 19 de abril arranca el taller de Francisco Ruiz de Infante en Hangar.org; un encuentro intensamente multi-rítmico y profundamente melódico… Epa, a experimentar juntas diálogos de sordas, errores necesarios y sucias intuiciones frotando vídeo, música, performance y literatura!!!

Rítmico y melódico. Sonata de Abril

En torno a la activación de dispositivos audiovisuales (más o menos performativos, más o menos literarios, más o menos musicales, más o menos espectaculares)

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Calendario : 19, 21, 22 abril 2017.
Miércoles y viernes de 16h30 a 20h30. Sábado de 11h a 14h i de 16h a 20h30
Lugar: HANGAR Barcelona
Precio: 50 euros
Inscripción: Aquí

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Desde siempre he oído decir que en las artes, calificativos como simple, eficaz, puro, estilizado, límpido, sobrio, riguroso… son entendidos como signos de buena conducta y de madurez. También algunas expresiones del tipo «menos es más» o «una idea cada vez» parecen ser motor de modos de comentar lo que pudiera ser «muy interesante» en las artes.

Lo que me pasa es que cuando pienso que las artes participan en la construcción de visiones del mundo contemporáneo (micro o macro social) y que tal vez estas «visiones» sean más tarde «su imagen», estos calificativos y estas expresiones legendarias me ponen muy nervioso. No entiendo como «lo humano», esa cosa perfectamente multi-ritmica y profundamente melódica, puede ser reflejado por formas artísticas que responden a esas palabras que, al menos a mí, desde hace tiempo y particularmente en estos presentes que vivimos en ebullición permanente, me inquietan.

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OBJETIVOS :

Intentaremos construir en un tiempo record una «memoria colectiva» para poder experimentar juntos diálogos de sordos, errores necesarios, lapsus y sucias intuiciones. Allí se frotaran vocabularios artísticos y métodos de trabajo en terrenos diversificados: performance, vídeo, música, literatura, instalación y sonido.

Allí (en el taller) intentaremos cuestionar de manera eminentemente práctica algunos estados efímeros (presente/pasado/futuro), algunos espacios inestables, algunas paradojas (mamíferos acuáticos/malas hierbas/países radicalizados/peces voladores), algunas dualidades peligrosamente similares (real/imaginario) y algunos aceleradores complejos del inconsciente, entre los cuales, la percepción dislocada del espacio y, evidentemente, del cuerpo.

En Rítmico y melódico. Sonata de Abril intentaremos hurgar en la manera como funciona la memoria cuando alimenta el presente: mediante sacudidas llenas de errores de información, o a partir de torrentes de imágenes y sonidos que recomienzan sin fin.

En esta experiencia participativa de lo que denomino “Pedagogías del abismo” se activarán reflexiones, diálogos y acciones a partir de la utilización de algunos “referentes-motor” (literarios, musicales y audiovisuales), y algunos “dispositivos-trampa” que amplifican y traicionan (cámaras, micrófonos, células de captación, miradas, espejos, luces, sombras…)

¿Ver mejor? ¿Escuchar más? Seguramente ver y escuchar de otra manera y con una consciencia diferente.

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DIRIGIDO A :

Artistas, estudiantes de bellas artes, escritores, escenógrafos, actores, performers, bailarines, dramaturgos… En definitiva, este taller está dirigido a quien esté interesado en experimentar y formular nuevas narrativas espacio-temporales a través del espacio, el tiempo y el cuerpo (su imagen, su sombra, su sonido, su reflejo). Un cuerpo, un tiempo y un espacio que serán amplificados o negados, acelerados o frenados gracias a algunas tecnologías audiovisuales.

PROGRAMA (en torno a cuatro tiempos) :
1-Compartir (conocimientos, experiencias, deseos)
2-Proyectar (dispositivos, contextos, reglas de juego)
3-Verificar (la distancia entre lo que se imagina y lo que es)
4-Compartir (aprendizajes, experiencias, deseos)

A lo largo del ultimo día del taller se realizara una sesión experimental de orden festivo en la cual se compartirán algunas de las formas y energías activadas a lo largo de la semana (et titulo, horario y modalidades de la presentación publica será comunicado en abril).

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FRANCISCO RUIZ DE INFANTE

Vitoria-Gasteiz, 1966. Vive y trabaja entre Estrasburgo y Auberive (Francia)
www.ruizdeinfante.org

 

http://cvc.cervantes.es/artes/p_corrientes/expo2.htm
http://www.elbabenitez.com/artistas/francisco-ruiz-de-infante/

Artista “fuera de formato”, pertenece a una generación cuya sensibilidad está marcada por el encuentro y la confrontación de máquinas audio-visuales para el control y el divertimento, con otros materiales aparentemente más simples y cotidianos. Ruiz de Infante hace juegos malabares sin complejos entre la “alta tecnología” y el “bricolaje de urgencia”.

En el universo de FRI (frágiles construcciones – dispositivos – recorridos de instalaciones – imágenes fijas – films – sonidos – dibujos – textos – performances – espectáculos) abundan los espacios dislocados o en estado de construcción. A menudo inquietantes, sus obras sumergen al espectador en una intensa experiencia física y mental.

En el terreno plástico expuesto proyectos importantes en instituciones como el Museo de arte Moderno de Paris, El MNCA Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim de Bilbao, la Maison de l’Image de Ginebra, la Blaffler Gallery de Houston, el ZKM de Karlshure, la Kunst-Halle de Bonn, el museo Carrillo Gil de México, La Panera de Lleida, la sala Metrónom de Barcelona, et Instituto Cervantes de Casablanca…

Recientemente a iniciado un ciclo de exposiciones e intervenciones artísticas : “Ecosistemas BlueSky” que se concretizan desde el 2009 con proyectos individuales o colectivos en Argentina (Espacio Fundación Telefónica y CCEBA de Buenos Aires), Francia (Nuit vidéo de Nancy, Atheneum de Dijon), España (Artium de Vitoria-Gasteiz), Marruecos (FIV de Casablanca) y Polonia (WRO’09 en Wroclaw).

En el campo del vídeo monocanal, dentro de su extensa producción pueden ser señalados el largometraje Los Lobos  (1995) y los cortos Las Cosas Simples (prix découverte en el Festival du Nouveau Cinéma de Montreal 1993) así como Colisiones sin titulo (2001) o La Piedra de NY (2005). Actualmente realiza films evolutivos dentro de la serie “BlueSky” (HolyBilis, Aprender a golpear, B.S.o.D. -Training attitude-…) y prepara en paralelo los largometrajes “Ecosistemas” y “Plancton”.

Varios de sus vídeos son visibles en la colección del Centre Pompidou (París) y el MNCA Reina Sofía (Madrid) entre otras numerosas colecciones de museos y mediatecas internacionales.

En el terreno de las artes performativas, la colaboración (en el sentido más amplio del término) con el coreógrafo Loïc TOUZÉ (“Un Bloc” 1997 y “S’il y a lieu” 1999) y el compositor Christian SEBILLE (desde el 2003) han sido experiencias necesarias para inventar relaciones más complejas con el espectador.

Actualmente colabora con la coreógrafa Olga MESA en vista de la corealización del proyecto escénico, plástico y audiovisual “Carmen / Shakespeare” (2012-18)

Licenciado en Pintura y Audiovisuales por la Facultad del País Vasco y master multimedia de l’ESNBA de Paris, Ruiz de Infante es profesor y coordinador del grupo de investigación en Arte Fuera de Formato de la Haute École des Arts du Rhin -HEAR- Estrasburgo) y codirector artístico de Le Centre des Rives (un laboratorio para el arte contemporáneo y documental en contexto rural).

 

HAMACA PROJECTA “Camilo i Ocaña”

Posted in Uncategorized by admin on the febrero 22nd, 2017

10 de Maig de 2017 a les 19h a Arts Santa Mònica, Barcelona
Castellà i anglès / 90 min.
Entrada gratuïta fins a omplir aforament.

Un programa compost de dos vídeos del col·lectiu Video-Nou (Barcelona, 1976-83): Actuació d’Ocaña i Camilo (1977) i Ocaña. Exposició a la Galeria Mec-Mec (1977) són retrats de l’andalús, anarquista, artista, teatrer i travesti Ocaña, el seu millor amic Camilo, el dibuixant underground Nazario, els videastas i altres persones que parlen de la seva vida i el seu treball mentre reciten, canten, ballen, es maquillen i estan en el grup; així com de la lectura d’una selecció de passatges escrits per Esther Newton que retraten a Tiger, Billy, Tris, Godiva, Lola, Jim, Jean, Dodi Turner, Bo Sutter, Wanda, Jane, Judy, Gus, Tim, Bonnie i altres persones, i al seu escenari polític específic, en l’assaig Mother Camp: Female Impersonators in America (1972).

L’escriptor i comissari Alberto García del Castillo va compondre aquest programa i va redactar els subtítols en anglès – juntament amb Liz Allan – per als vídeos de Video-Nou. En Arts Santa Mònica, llegirà certes parts del text original d’Esther Newton en anglès i unes altres de la traducció al castellà de María José Belbel Bullejos i Paloma Uría: Mother Camp: Un estudio de los transformistas femeninos en los Estados Unidos  (2016).

Aquesta programació va ser produïda per Hamaca (Barcelona), estrenada al Beursschouwburg a Brussel·les al setembre de 2016 i presentada al 1646 a l’Haia  al novembre.

Video-Nou va ser un col·lectiu creat en 1977, constituït dos anys més tard en equip gestor de l’anomenat Servei de Vídeo Comunitari, concebut amb voluntat de servei públic. Els seus membres procedien dels àmbits del periodisme, la sociologia, la antipsiquiatría, l’ensenyament, les arts visuals i escèniques i l’arquitectura. Va ser un grup pioner a l’Estat espanyol en la utilització d’equips portàtils de vídeo, amb la intenció d’engegar un tipus de televisió (contra)informativa i activista, arrelada en determinades pràctiques artístiques conceptuals i de crítica institucional.
Alberto García del Castillo escriu ficció de gènere i no ficció sobre comunitats i queer, posa en escena aquests textos i aquells escrits per altres persones, i col·labora en combinacions múltiples; aviat presentarà Minven, i ha publicat “Oslo” en la revista Girls Like Us, Midpoint i Retrospective. Ha comissariat recentment La Kermesse héroïque a Beursschouwburg i Pollination. Pansies. a NICC, tots dos a Brussel·les; i al costat de Marnie Slater és co-comissari de Bons Temps, Int.
Esther Newton és una antropòloga cultural coneguda pel seu treball pioner en l’etnografia de les comunitats lèsbiques i gais als Estats Units. Ha publicat dos llibres: Mother Camp: Female Impersonators in America (1972) i Cherry Grove, Fire Island: Sixty years in America’s first gai and lesbian town (1993).

(more…)

Presentació Apologia/Antologia a La Virreina Centre de la Imatge

Posted in Uncategorized by admin on the enero 16th, 2017

[català]

Presentació d’Apologia/Antologia: Recorreguts pel vídeo en el context espanyol
Video-compilació que recull els prop de cinquanta anys d’història de la producció artística audiovisual en el nostre context, mitjançant un cofre que conté cinc DVD i un llibret. L’edició és part d’un projecte que inclou una web amb més de dues-centes cinquanta produccions de lliure accés.

La Virreina Centre de la Imatge
Palau de la Virreina
La Rambla, 99. 08002 Barcelona

Dimarts 24 de gener, 19 h. Virreina LAB
Entrada gratuïta. Aforament limitat

La inexistència d’una compilació antològica que ordenés i contextualitzés les videocreaciones estatals, i les dificultats per difondre internacionalment el catàleg de la distribuïdora Hamaca van impulsar el projecte editorial Apologia/Antologia: Recorreguts pel vídeo en el context espanyol. La iniciativa està inspirada en fructíferes recopilacions realitzades en altres contextos, com les realitzades per la distribuïdora de videoarte americana Video Data Bank.

L’objectiu del projecte és visibilizar les genealogies de les diferents obres i artistes, i els vincles i els diàlegs que tenen lloc entre ells; facilitant, d’aquesta manera, el coneixement i la difusió dels usos del vídeo i el cinema. El títol doble desvetlla la duplicitat dels impulsos motors del projecte: en primer lloc, la passió per l’art audiovisual; en segon lloc, la determinació per crear una eina útil historiogràfica. L’ordre dels termes assenyala la tirada pel mitjà com a punt de partida i instrument per sortejar l’arbitrarietat implícita en tota labor antològica.

Apologia/Antologia s’articula entorn de cinc eixos temàtics proposats per l’equip editorial que integren Aimar Arriola, Eugeni Bonet, Gonzalo de Pedro, Neus Miró i Arturo/fito Rodríguez. La jornada proposada part dels dos formats complementaris en què es materialitza el projecte: una caixa de DVD (editada i distribuïda per CAMEO) i una pàgina web (dissenyada pel data activist Nicolas Malevé).

Programa

19:00-19:20
Presentació d’Apologia/Antologia
Eli Lloveras i Nicolas Malevé


19:20-20:10
Taula rodona amb l’equip editorial
Aimar Arriola, Eugeni Bonet, Gonzalo de Pedro, Neus Miró i Arturo/fito Rodríguez
Moderada per Eli Lloveras


20:10-21:00
Projecció d’una selecció de produccions integrades en els recorreguts d’Apologia/Antologia

***

Apologia/Antologia és una iniciativa d’Eli Lloveras (directora d’HAMACA) i Anna Manubens (Cap de Programes Públics del CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux). L’edició és una coproducció entre HAMACA (distribuïdora de videoarte i arts electròniques), Tabakalera (Centre Internacional de Cultura Contemporània en Donostia/Sant Sebastià) i Universitat del País Basc (UPV/EHU); i compta amb la col·laboració d’AC/I (Acció Cultural espanyola), MECD, la Generalitat de Catalunya, Hangar i CAMEO.

Més informació: http://www.hamacaonline.net/aa/
Email: apologia@hamacaonline.net

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[castellano]

Presentación de Apología/Antología: Recorridos por el vídeo en el contexto español

Video-compilación que recoge los cerca de cincuenta años de historia de la producción artística audiovisual en nuestro contexto, mediante un cofre que contiene cinco DVD y un libreto. La edición es parte de un proyecto que incluye una web con más de doscientas cincuenta producciones de libre acceso.

La Virreina Centre de la Imatge
Palau de la Virreina
La Rambla, 99. 08002 Barcelona

Martes 24 de enero, 19 h. Virreina LAB
Entrada gratuita. Aforo limitado

La inexistencia de una compilación antológica que ordenase y contextualizase las videocreaciones estatales, y las dificultades para difundir internacionalmente el catálogo de la distribuidora Hamaca impulsaron el proyecto editorial Apología/Antología: Recorridos por el vídeo en el contexto español. La iniciativa está inspirada en fructíferas recopilaciones realizadas en otros contextos, como las realizadas por la distribuidora de videoarte americana Video Data Bank.

El objetivo del proyecto es visibilizar las genealogías de las distintas obras y artistas, y los vínculos y los diálogos que tienen lugar entre ellos; facilitando, de esta manera, el conocimiento y la difusión de los usos del vídeo y el cine. El título doble desvela la duplicidad de los impulsos motores del proyecto: en primer lugar, la pasión por el arte audiovisual; en segundo lugar, la determinación por crear una herramienta útil historiográfica. El orden de los términos señala la querencia por el medio como punto de partida e instrumento para sortear la arbitrariedad implícita en toda labor antológica.

Apología/Antología se articula en torno a cinco ejes temáticos propuestos por el equipo editorial que integran Aimar Arriola, Eugeni Bonet, Gonzalo de Pedro, Neus Miró y Arturo/fito Rodríguez. La jornada propuesta parte de los dos formatos complementarios en que se materializa el proyecto: una caja de DVD (editada y distribuida por CAMEO) y una página web (diseñada por el data activist Nicolas Malevé).

Programa

19:00-19:20
Presentación de Apología/Antología
Eli Lloveras y Nicolas Malevé

19:20-20:10
Mesa redonda con el equipo editorial
Aimar Arriola, Eugeni Bonet, Gonzalo de Pedro, Neus Miró y Arturo/fito Rodríguez.
Moderada por Eli Lloveras

20:10-21:00
Proyección de una selección de producciones integradas en los recorridos de Apología/Antología

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Apología/Antología es una iniciativa de Eli Lloveras (directora de HAMACA) y Anna Manubens (Jefa de Programas Públicos del CAPC musée d’art contemporain de Bordeaux). La edición es una coproducción entre HAMACA (distribuidora de videoarte y artes electrónicas), Tabakalera (Centro Internacional de Cultura Contemporánea en Donostia/San Sebastián) y Universidad del País Vasco (UPV/EHU); y cuenta con la colaboración de AC/E (Acción Cultural española), MECD, la Generalitat de Catalunya, Hangar y CAMEO.

Más información: 
http://www.hamacaonline.net/aa/
Email: apologia@hamacaonline.net

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